El Romanticismo fue un periodo que abarco aproximadamente, entre principio de los años 1820 y la primera década del siglo XX, y engloba toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho período.
LA ÓPERA ALEMANA
Ópera Alemana se utiliza también para designar al conjunto de obras escritas en lengua alemana, incluyendo obras escritas por compositores no nativos.
Tal como indican los nombres de Mozart, Weber, Richard Wagner, Richard Strauss y Berg, Alemania y Austria poseen una de las tradiciones operísticas más fuertes en la cultura europea. Esto se evidencia también en la gran cantidad de teatros de ópera (principalmente en Alemania, donde al menos todas las ciudades importantes tienen su propio teatro), así como también en los numerosos festivales operísticos tan renombrados mundialmente, por ejemplo, el Festival de Salzburgo.
CARL MARIA VON WEBER
La mayor brecha en la historia de la ópera romántica alemana fue Der Freischüts (el cazador furtivo) de Carl Maria Von Weber, presentada por primera vez en Berlín el 18 de junio de 1821.
Weber resentía la dominación a nivel europeo de las óperas italianas y buscó establecer un estilo de ópera únicamente alemana. Se volvió hacia las canciones populares y folclore alemán como fuente de inspiración; Der Freischütz está basada en una leyenda del Gespensterbuch ("libro de los fantasmas") , referente a un cazador que hace un pacto con el diablo.
Der Freischütz fue su obra maestra, considerada por muchos como la primera ópera nacionalista, dado que utilizó temas musicales y dramáticos que provenían del folclore germano. Es también la primera ópera romántica alemana.
El punto fuerte de Weber fue su llamativa capacidad de evocar atmósferas con el
color orquestal. Desde las primeras barras de la obertura es claro que se sitúa
en los primitivos bosques de Alemania.
El punto culminante de la ópera es la
escena de la cañada del lobo, en la cual el héroe Max hace su trato con el
diablo. Der Freischütz fue
inmensamente popular, no sólo en Alemania, sino a lo largo de toda Europa.
Weber nunca alcanzó su capacidad máxima como compositor de ópera, debido a su
prematura muerte por tuberculosis y por la pobre opción de libretos, y por
tanto, tampoco aportó más progresos al género.
Su principal ópera alemana después de Der Freischütz, Euryanthe (1823), sufre de un texto particularmente débil y es raramente presentada en la actualidad. Aun así Euryanthe marca otra etapa importante en el desarrollo de la ópera alemana seria. Weber realmente logró avanzar en el campo, alejándose ligeramente del singspiel, al iniciar el proceso de diluir las arias y los recitativos hasta eliminarlos por completo, implementando el concepto de la unificación musical. Además, utilizó motivos musicales reiteradamente. Sus lecciones influyeron notablemente en la siguiente generación de compositores.
Su principal ópera alemana después de Der Freischütz, Euryanthe (1823), sufre de un texto particularmente débil y es raramente presentada en la actualidad. Aun así Euryanthe marca otra etapa importante en el desarrollo de la ópera alemana seria. Weber realmente logró avanzar en el campo, alejándose ligeramente del singspiel, al iniciar el proceso de diluir las arias y los recitativos hasta eliminarlos por completo, implementando el concepto de la unificación musical. Además, utilizó motivos musicales reiteradamente. Sus lecciones influyeron notablemente en la siguiente generación de compositores.
La ópera Francesa
es el arte de la ópera cantada en francés y que se desarrolla en Francia.
Francia tiene una de las tradiciones operísticas más importantes de Europa, con
obras de compositores nacionales de la talla de Lully, Rameau, Berlioz, Bizet, Gounod,
Massenet, Debussy y Poulenc, además de aportaciones de muchos compositores
extranjeros, como Gluck, Cherubini, Rossini, Meyerbeer y Verdi.
Giacomo Meyerbeer (Yaakov Liebmann Beer)
(Tasdorf, desde 1931 barrio de Rüderdorf cerca de Berlín, 5 de septiembre de 1791
– París, 2 de mayo de 1864) fue un compositor alemán, favorito del público
parisino por la composición de óperas en el estilo Grand Opéra. Su obra más
conocida es Les Huguenots.
Los hugonotes (título original en francés, Les
Huguenots) es una Grand Opéra cómica en cinco actos con música de Giacomo
Meyerbeer y libreto en francés de Eugène Scribe y Émile Deschamps.
Durante el siglo XIX y principios del XX, Los hugonotes fue muy popular. Desde su estreno hasta 1903, había sido representada más de mil veces en la Ópera de París. Pero como el resto de las óperas de Meyerbeer, perdió su popularidad en la primera mitad del siglo XX y ahora no suele presentarse con tanta frecuencia. Sin embargo, existen varias grabaciones completas, incluyendo grabaciones piratas con la legendaria pareja de Franco Corelli y Joan Sutherland en La Scala de Milán.
Recientemente, se ha optado por presentarla en versión concierto (sin escenarios o vestuario). En noviembre de 1999 fue presentada en Bilbao. Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabase aparece con sólo 1 representación para el período 2005-2010.
La falta de producciones se debe en parte al gran despliegue que requiere; por ejemplo, siete cantantes principales: dos sopranos, una contralto, dos barítonos, un tenor y un bajo. Y el papel de tenor, Raoul, es uno de los más difíciles de cualquier ópera. El cantante debe mantenerse en escena por largos períodos en los cinco actos y su papel está plagado de notas altas difíciles.
La historia de la ópera culmina con la histórica Masacre del Día de San Bartolomé en 1572, cuando miles de protestantes franceses (Huguenots) fueron asesinados por los católicos en un intento por librar a Francia de la influencia protestante. Estos eventos son descritos con rigor histórico. El resto del libreto narra principalmente el amor de dos personajes ficticios, Valentine (católica) y Raoul (protestante).
Listado de Óperas
| Fecha composición | Obra | Fecha estreno | Lugar estreno | Notas | |
|---|---|---|---|---|---|
| Jephtas Gelübte | 1812/12/23 | Múnich | |||
| Wirt und Gast | 1813/01/06 | Stuttgart | |||
| Das Brandenburger Tor | 1814 | Berlín | |||
| Romilda e Costanza | 1817/07/19 | Padua | |||
| Semiramide riconosciuta | 1819/03 | Teatro Regio, Turín | |||
| Emma di Resburgo | 1819/06/26 | Venecia, San Benedetto | |||
| Margherita d’Anjou | 1820/11/14 | Milán | |||
| 1820–1821 | L'Almanzore | Probablemente compuesta en 1820–1821, prevista para Roma pero no representada allí. Aunque se cree que tuvo que ser terminada, también es posible que se trate de una primera versión de L'esule di Granata. | |||
| L'esule di Granata | 1821/03/12 | Milán | |||
| Il crociato in Egitto | 1824/03/07 | La Fenice, Venecia | Frecuentemente revisada por Meyerbeer. | ||
| Robert le diable («Roberto el diablo») | 1831/11/21 | Opéra, París | Ópera de terror. Eugène Scribe fue el libretista. Se representó en París con gran ceremonial. | ||
| Les Huguenots («Los Hugonotes») | 1836/02/29 | Opéra, París | Ópera en cinco actos que alcanzó un éxito inmediato. Con el trasfondo de la Matanza de San Bartolomé (1572), con sus conflictos entre calvinistas y católicos, se despliega una complicada intriga. El escalofriante ritual de la consagración de las espadas, con sus tinieblas demoníacas y su fanatismo, es uno de los grandes conjuntos románticos (a veces también se le llama Guelfos y Gibelinos o Los anglicanos y los puritanos). | ||
| Ein Feldlager in Schlesien («Un campo en Silesia») | 1844/12/07 | Hofoper, Berlín | Revisada como Vielka (Viena, 1847/02/18). | ||
| Le prophète («El profeta»). | 1849/04/16 | Opéra, París | El papel central pertenece a una contralto, la Madre Fides. Espectáculo turbulento sobre el movimiento reformista de los anabaptistas en la región de Münster. | ||
| L'étoile du nord | 1854/02/16 | Opéra Comique, París | Parcialmente basada en la temprana Feldlager in Schlesien, revisada en italiano (Londres, Covent Garden, 1855/07/19). | ||
| Le Pardon de Ploërmel | 1859/04/04 | Opéra Comique, París | Revisada en italiano como Dinorah (Londres, Covent Garden, 1859/07/26). | ||
| L'Africaine | 1865/04/28 | Opéra, París | Póstuma. Ópera de ambiente exótico, ambientada en los viajes de Vasco de Gama. Termina con el tema de Liebestod ('muerte de amor') de Selica. |
EL LIED, UN GÉNERO ROMÁNTICO: FRANZ SCHUBERT
Sin lugar a dudas, el lied es una de las formas que más caracterizan el Romanticismo musical, tanto por supropia estructura como por las circustancias en las que tenian lugar las audiciones de este género. En efecto, a su libertad formal y expresiva se unen las veladas en casas particulares, en las que la música fluia por los canales de las ganas explicitas de escucharla.
El lied, palabra alemana que significa canción, ocupaba un lugar privilegiado, ya que no solamente se escuchaban las interpretaciones desde el mero hecho ejecutivo, si no que se tenía en cuenta el texto, a menudo debido a autores coetáneos. No es raro, pues, encontrar entre los principales lieder de este período poesías de Goethe, Heine, Schiller o Holderlin, además de otros poetas hoy solo conocidos precisamente por la música escrita a partir de sus textos.
ORIGEN Y CARACTER DEL LIED
No se debe olvidar que el lied nace como género a mediados del S. XVIII. Haydn, Mozart, Beethoven sentaron las bases del futuro lied del XIX, en el que Schubert tiene un papel destacadísimo por la gran cantidad de obras que compuso, sin dejar pasar por alto las obras liederísticas de Schuman, Brahms, Wagner y, más tarde Richard Strauss, Mahler y Hugo Wolf.
El lied no se debe limitar a una composición para voz y piano, aunque a menudo es así, pero en algunos casos puede ser otro el instrumento acompañante, o incluso toda una orquesta.
Sea cual sea, el instrumento no es sino un vehículo expresivo más, a la misma altura que la voz. Instrumento y voz tienen vida propia.
UN MAESTRO DEL GÉNERO
A lo largo de su corta existencia, Schubert llegó a componer una ingente variedad de paginas de distinto carácter, desde sus nueve sínfonias hasta óperas, pasando por música de cámara e instrumental. Sin embargo, lo que lo situa como uno de los hitos de la historia de la música es su producción liederística.
Ya en su tiempo, muchos de sus mas de seiscientos lieder fueron escuchados en las conocidas "schubertiadas", veladas con los amigos. Entre éstos se contaron algunos de los intérpretes que marcaron una tradición interpretativa que perdura hoy día, como el barítono Johann Michael Vogl, amigo del compositor.
Algunos de los lieder se concentran en tres cíclos temáticos por ser obras con textos de un mismo poeta o con un tema similar: Die schöne Müllerin ( La bella molinera ) y Winterreise ambos sobre ( viaje de invierno ), ambos sobre textos de Wilheilm Müller (1823 y 1827), y Schwanengesang (el canto del cisne), con textos de Heine, Seidl y Rellstab (1828).
Practicamente la mitad de sus lieder fueron escritos par barítono, si bien el propio compositor realizó transcripciones para soprano o tenor. De hecho, en la actualidad son obras que se interpretan indistintamente por todo tipo de voces humanas, aunque la tesitura de barítono, por su equilibrio y sobriedad, resulta especialmente adecuada para ellas.
EL PIANO, INSTRUMENTO ROMÁNTICO POR EXCELENCIA
Después de los primeros intentos (finales XVIII), por liberar el piano de ligarlo a los modos interpretativos del clave, en el XIX consigue un mayor logro en materia de mecanismo percutido, con lo cual el origen de la palabra que designa al instrumento, pianoforte, adquiere su auténtico sentido.
Existen dos conceptos que pueden ser sinónimos de pianismo romántico, Expresividad y Virtuosismo.
2.-EL ROMANTICISMO A MEDIADOS DEL SIGLO XIX.
PANORAMA HISTÓRICO. MOVIMIENTO CECILIANISTA.
SE INCREMENTA LA MÚSICA DE PROGRAMA.
MÚSICA INSTRUMENTAL. EL AUGE DEL PIANO. GÉNEROS QUE SURGEN.
PRINCIPALES COMPOSITORES
OBRAS Y ESTILO DE:
FEDERICO CHOPIN.
FELIX MENDELSON.
ROBERT SCHUMANN.
HECTOR BERLIOZ. SU ORQUESTA. SINFONÍA FANTÁSTICA.
LA MÚSICA EN ITALIA. NICCOLO PAGANINI.
Algunas caracteristicas del romántico.
- Independencia del autor, cada vez
menos sujeto a las normas de los
Mecenas y más relacionado con los
editores de partituras.
- Aparición de nuevos géneros,
como el lied, los poemas sinfónicos o el drama musical
(ópera de Wagner)
- Búsqueda de la expresividad y
los sentimientos en el oyente.
- La melodía ocupará un lugar
privilegiado y estarán cargadas de cambios de
dinámica; todo ello con la
finalidad de expresar los sentimientos.
- La armonía, al igual que la
melodía apoyará la expresividad de la música y para
ello usará frecuentes cambios de
tonalidad y cromatismos
El romanticismo a mediados del siglo XIX
El cecilianismo fue un movimiento musical que nació a finales del S. XIX y debe su nombre a Santa Cecilia patrona católica de los músicos. y su duración fue hasta la segunda década del siglo XX. Fue un momento en el que comenzaban a adquirir cierta solidez científica las disciplinas musicológicas, que pretendía que los compositores volvieran nuevamente sus ojos a la música sacra antigua, considerandola un modelo que era fuente de inspiración y como la expresión más perfecta de la adecuación entre música y culto.
GRANDES COMPOSITORES PIANÍSTICOS
Las primeras muestras del pianismo romántico derivan de las últimas sonatas de Beethoven, los temas, bien expuestos aunque confundidos y amalgamados con otros subtemas y desarrollos a veces muy cortos, marcan ya una nueva concepción de la forma sonata.
Lo mismo es extensible a la producción pianística de Franz Schubert, aunque su música esté mucho mas ligada al espíritu del clasicismo. Dejando a un lado el estilo libre de su Fantasía en fa menor ( la misma forma de fantasía ya es de por sí libre), obras como los seis Moments musicaux D 789 o los ocho Impromptus D 899 y 935 se acercan, melódicamente, al género del lied tan caro a este creador.
La obra pianística de Johannes Brahms, sigue una trayectoria basada en acordes de atrevidas armonías, aunque por encima de todo él sea un compositor estrechamente vinculado al clasicismo, aspecto que puede vislumbrarse fácilmente a través de su melodismo de corte simple. En sus variaciones sobre un tema de Paganini y su sonata en fa menor, es posible encontrar claros exponentes de su concepción estética.
Robert Schumann fue un pianista frustrado a causa de una lesión que le afecto la mano derecha. Sus breves piezas pianísticas siguen de cerca el espíritu de la música programática, lo que puede observarse claramente en los títulos de algunas de sus obras, tales como Papillons, carnaval, Noveletten, etc. Chopin recurre al intimismo, con un claro afianzamiento en formas propias de su Polonia natal, como las Mazurcas. De Chopin destaca sobre todo, su magistral uso del pedal, lo cual influye en la expresividad, por ejemplo, de sus Baladas. Liszt es el virtuoso por excelencia. En su obra pianística destacan la imaginación poética y el atrevimiento armónico, como en su Sonata en si menor, con contrastados juegos rítmicos que hacen de ella una de las obras más dificiles del repertorio pianístico de todos los tiempos.
LA POÉTICA DEL PIANO DE FRÉDÉRIC CHOPIN
Aunque parece en contrasentido, la obra de Chopin, es una de las mas desconocidas de su tiempo; y lo curioso es que lo es, porque era precisamente demasiado conocida.
El problema esta, en que muchas de sus composiciones son pasto de estudiantes de piano en rancios conservatorios que, olvidando una personalidad que condiciona su obra a su vida, a menudo ignoran las circunstancias en que se desenvolvió ésta. En este sentido, cabe mencionar que el compositor polaco puede ser mucho más conocido por el retrato que de él hizo Delacroix que por las tristes lecciones de conservatorio.
Tambien hay que reconocer que en torno de Chopin se ha hecho mucha seudo literatura, injustamente basada en la aparente fragilidad y languidez de sus composiciones. Todo ello no hace sino desdibujar a uno de los artistas más interesantes del siglo XIX.
Una obra al servicio del piano
La modernidad del lenguaje del Chopin pasa por su vinculación al piano, instrumento clave para identificar el mundo musical de este compositor de una perfección total, casi enfermiza (como su cuerpo) y de rotunda musicalidad. Chopin piensa la música a través del piano, del cual llegó a descubrir nuevas posibilidades técnicas y estilísticas, sin las pretensiones de virtuosismo de un Liszt. El carácter un tanto apátrida del músico hizo que recibiera influencias del germanismo afincado en París, con lo que la mezcla de elementos procedentes de distintas nacionalidades (polaca, francesa y alemana9 derivó en una personal e inconfundible obra de rasgos bien definidos.
en lo que atañe a la forma, Chopin rehuye cualquier intencionalidad descriptiva y programática. Los títulos de sus mismas obras para piano (nocturnos, estudios y, sobretodo fantasías) denotan una libertad estructural sin ataduras de índole literarios, contrariamente al espíritu romántico del momento, lo cual significa que chopin se sitúa, en ese sentido, al margen del germanismo imperante.
Frédéric Chopin (1810-1849)
- nace en Varsovia, hijo de un profr. francés.
- su talento se descubre pronto, a los 12 años ingresa al conservatorio de Varsovia, donde compone sus primeras obras; como los estudios op. 10, con claras influencias de Paganini.
- en 1820 da conciertos en Viena, Desdre y París.
-en 1832 se consagra como virtuoso pianista.
- como era de carácter retraido e intimista, no entablaba relaciones con la alta sociedad que llenaba los salones cada vez que ofrecia un concierto.
- contrajo la tuberculosis, y tuvo que tubo que pasar largas temporadas en balnearios.
- sufrio una decepción amorosa con la joven María Wodzinski,
- en 1836 conoció a Aurora Dupin, la excéntrica novelista conocida como George Sand con la cual sostuvo una tormentosa relación.
- viajaron a Mallorca, donde en palabras de Sand fue descrita como un invierno en mallorca.
- de esta isla, viajaron a París, donde impartió clases de piano, mientras que su salud como la pasión de Sand menguaba de modo alarmante. Hasta que en 1847 se rompió definitivamente su relación.
- en los años siguientes, su salud se fue deteriorando progresivamente.
- Falleció finalmente la madrugada del 17 de octubre de 1849, en París.
- su corazón fue enviado a Polonia, mientras el resto de su cuerpo era enterrado al son del Réquiem Mozartiano.
Robert Schummann
"el mas músico de todos los románticos y el más romántico de todos los músicos"
Así se ha llegado a definir la compleja personalidad de Robert Schumman, uno de los más perfectos hijos de su época. Su estética persigue la libertad expresiva en grado sumo, buscando nuevas sendas y apartándose de los viejos caminos trazados por el clasicismo. Fue un hombre de salud delicada, con perturbaciones mentales que dieron con él en el manicomio al final de su atormentada vida.
Shumman, crítico y compositor
Shumman fue un teórico de la música más o menos destacado en su tiempo, escribió en distintas publicaciones, en la que firmaba con diferentes seudónimo: Florestán, Eusebius y Meister Raro. El primero es sinónimo de inpetuosidad, el segundo designa un carácter introvertido y tímido, mientras que Raro, es la unión de dos silabas: la última de su esposa Clara y la primera del nombre de pila del propio Shumman. Ello indica hasta qué punto su mujer influyó en su vida. De hecho Clara fue un fuerte sostén para el carácter desequilibrado de Shumman. Además, fue como su voz cantante, en el sentido de que el compositor sufrió una lesión en la mano que le impidió llegar a ser un virtuoso del piano, siendo ella la encargada de dar a conocer sus composiciones pianística.
Clara habría podido llevar a cabo una brillante carrera si no hubiera vivido en una época que vetaba este tipo de actividades a las mujeres, ya que era una excelente pianista e incluso compositora.
La fascinación por Clara, no solo fue sentida por Shumman, sino también por Brahms quien estuvo platónicamente enamorado de ella. Por ciertos, Brahms fue un excelente amigo fiel hasta su muerte.
Shumman amó también a sus contemporáneos, sin envidias ni falsas adulaciones: revalorizó a Shubert después de su muerte y descubrió a chopin como compositor y pianista de innegable talento.
UN MÚSICO IRREGULAR
Sus composiciones, estan marcadas por lo irregular de su formación musical, ya que sus estudios inician en Zwickau, de la mano del organista del lugar, que nunca confio en el talento del muchacho. posteriormente, en Leipzig, estudió derecho,mientras acudía a conciertos en salones y charlas literarias en círculos privados de amigos suyos.
Después de haber oído al virtuoso del violín Niccoló Paganini en Frankfurt, en 1830 Shumman decidió dedicarse por entero a la música. A partir de entonces, estudiaría piano con friedrich Wieck (padre de Clara), aunque su formación sería autodidacta. y vendría, sobre todo, del estudio de la obra de Bach, recien descubierto por aquel entonces gracias a la labor de Mendelssohn.
En su obra, se aprecia un diseño melódico nítido, aunque siempre con ataduras poéticas, dada la pasión de este por la literatura coetánea.
Sus Noveletten (1838) para piano, nos hablan de esta faceta del compositor. Para shumman, la armonía es mucho más importante que la melodía, y por ello la concepción sinfónica de muchas de sus obras, aun tratándose de música pianística, es notable.
Su concierto para piano rehúye, además, todo esquematismo vinculado a la forma sonata, con un tejido orquestal denso, evidente a pesar de que posteriores manos - retocaron - la orquestación de la obra con criterios estéticos más que dudosos.
Aunque sólo compusiera cuatro sinfonías ( dejando a un lado su -casi sinfonía- obertura, scherzo y final op. 52), su contribución al género demuestra una vez más un manejo libre de la forma sonata, ademas de ideas programáticas que se anuncian ya en los títulos de algunas de ellas:
- La primera y tercera sinfonías se apodan, respectivamente, -la primavera- y -renana-.
Esta última es la que refleja sin duda la estética shummaniana, una obra ciertamente larga cargada de emoción y de expresividad, que anticipa de modo claro las mejores páginas posrománticas de R. Strauss o Mahler.
La tercera fue la última que compuso, ya que su modo de trabajar desordenado implicaba que empezara obras que sólo se terminaban años después de su primera concepción.
MENDELSSOHN Y SU CLASICISMO ROMÁNTICO.
Con origen Judío, fue un hombre de sólida formación académica y cultural (recibió lecciones de estética de hegel), gran viajero y redescubridor de antiguos valores de la música alemana, como Haendel y Bach (de este último reestrenó en 1829 su Pasión según San Mateo). A su faceta compositiva hay que añadir su labor docente en el Conservatorio de Leipsig y su virtuosismo al piano, que compartío con su hermana Fanny, también compositora. De su producción sinfónica, destacan sus cinco obras de madurez (otras trece, sólo para cuerdas, pertenecen al período de juventud). En ellas, se muestra como lun sólido adaptador de los moldes tradicionales de la forma a las nuevas tendencias, gracias, entre otras cosas, a la incorporación del Scherzo en sustitución del minueto clásico. A una cierta libertad formal se une un melodismo de corte netamente clásico, no exento de un irresistible optimismo. Ello es lo que se desprende, por ejemplo, de sus célebres Sinfonías num. 3 y 4, conocidas, respectivamente, con el sobrenombre de - Escocesa - (1842) e - Italiana - (1833).
Hector Berlioz y la música programática.
El romanticismo sienta las bases de lo que se llama - poema sinfónico - y de la sinfonía programática, en las cuales toda la música se desarrolla a partir de un argumento o pretexto literario o extramusical, llamado - programa - , que el compositor debía seguir. Música como idea, música como discurso, música como programa, será, pues, otra de las grandes aportaciones del Romanticismo al arte de los sonidos.
Berlioze es el músico romántico francés por excelencia. en ese tiempo Francia acogía a diversos compositores de todo el ámbito europeo que, de un modo u otro, se adaptaban a las formas impuestas por la estética gala, con su grandeur teatral, muy en relaci´pn con el estilo pompter. Rossini, Chopin, Liszt o Verdi, entre muchos más, son algunos de los músicos que pasaron por Francia y recibieron su influjo, mientras otros, como Cherubini, Reicha o Meyerber, se habían establecido allí definitivamente.
Por la extrema originalidad de su lenguaje orquestal, la obra de berlioze es interesante. Sin duda una de las claves de su gran éxito, fué el macroconcierto ofrecido en 1844 como parte del grand festival de l'industrie, en el que, ante una orquesta de más de mil músicos, interpretó obras propias. La forma de orquestar de Berlioze persigue una pastosa paleta expresiva capaz de proporcionarle las más variadas gamas y colores instrumentales.
Junto a esta busqueda, otra de las características de su música es la incorporación de un fondo musical narrativo, poemático, que anticipa claramente el poema sinfónico y también el - leitmotiv - wagneriano. En sus cartas y escritos teóricos, el músico francés habla de la - idée fixe - como el motivo conductor de sus partituras sinfónicas, entre las que sin duda destaca su célebre - Sinfonía fantástica - .
La Sinfonía fantástica es una sinfonía compuesta por Héctor Berlioz en 1830. El nombre bajo el que se la conoce habitualmente es, en realidad, el subtítulo: el título que Berlioz puso a su obra es Episodio de la vida de un artista. El autor se inspiró en la actriz shakespeariana Henrietta Constance Smithson, a la que amaba locamente, para componer esta obra, que es un bello y claro ejemplo de la música programática. La Sinfonía Fantástica consta de cinco movimientos:
- Sueños y pasiones
- Un baile
- Escena en el campo
- La marcha del cadalso
- Sueño de una noche de aquelarre. . . (para ver más sigue este enlace
- http://es.wikipedia.org/wiki/Sinfon%C3%ADa_fant%C3%A1stica )
Niccolò
Paganini Bocciardo (1782 –1840)
Fue un violinista,
violista,
guitarrista
y compositor
italiano,
considerado uno los más virtuosos músicos de su tiempo, reconocido como uno de
los mejores violinistas que hayan existido, con oído absoluto
y entonación perfecta, técnicas de arco expresivas y nuevos usos de técnicas de
staccato y pizzicato.
Nació en Génova,
donde estudió con músicos locales. Estudio mandolina con su padre a los cinco
años. Y a los siete comenzó a tocar el violín. Su primera
aparición pública fue a los nueve años y realizó una gira por varias ciudades
de Lombardía
a los trece.No obstante, hasta 1813 no se le consideró un virtuoso del violín. Tuvo como maestros a Gianfranco Castronovo y Alessandro Rolla. Con dieciséis años era ya conocido, pero no digirió bien el éxito y se emborrachaba continuamente.
Una dama desconocida lo salvó de esa vida licenciosa para llevarlo a su villa donde aprendió a tocar la guitarra y el piano. En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con otros instrumentos.
De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y hermana de Napoleón. En 1813 abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de interpretar atrajo la atención de quienes le escuchaban. En 1828 fue a Viena, más tarde a París y en 1831 a Londres. En París conoció al pianista y compositor húngaro Franz Liszt, quien fascinado por su técnica, desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. En 1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola y orquesta; el compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca la interpretó. Renunció a las giras en 1834.
Fue además tutor del violinista italiano Antonio Bazzini, a quien motivó para que iniciara su carrera como concertista. Su técnica asombraba tanto al público de la época que llegaron a pensar que existía algún influjo diabólico sobre él, porque a su vez su apariencia se notaba algo extraña y sus adelantos musicales eran una verdadera obra de arte. Se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13".
Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín (retirando primero las otras tres, de manera que éstas no se rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban. Además en la mayoría de sus espectáculos usaba la improvisación. Esto indica lo cercano que estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras incluyen veinticuatro caprichos para violín solo (1801-1807), seis conciertos y varias sonatas. Además creó numerosas obras en las que involucraba de alguna manera a la guitarra, exactamente 200 piezas.
Llegó a poseer cinco violines
Stradivarius,
dos Amati
y un Guarnerius
(su violín favorito) llamado Il Cannone.
Su salud se fue deteriorando por un cáncer de laringe que le iba haciendo perder la voz a pasos agigantados y por el tratamiento con mercurio que realizaba por recomendación de su médico para tratar la sífilis; murió en Niza el 27 de mayo de 1840.
Fuentes de información: Wikipedia, El mundo de la música "grandes autores y grandes obras", ciudadjardin.org.
